Desde 1639 [1] , una ópera (del italiano opera in musica , "obra musical") ha sido un género musical de teatro que surgió alrededor de 1600 (al comienzo de la era barroca) . Además, el teatro de ópera (el lugar de actuación o la institución productora) o la compañía de actuación también se conocen como ópera .
Una ópera consiste en un escenario de poesía dramática , interpretada por un conjunto de cantantes, una orquesta acompañante y, a veces, un coro y un conjunto de ballet . Además de cantar, los actores actúan y bailan en un escenario de teatro que está diseñado con los medios de pintura , arquitectura , utilería , iluminación y tecnología escénica . Los papeles de los intérpretes están representados por máscaras yVestuario ilustrado visualmente. Los directores artísticos son directores de música, directores de dirección de personas y escenógrafos y escenógrafos de equipos . En el fondo apoya la dramaturgia .
La ópera se resume con danza, musical y zarzuela bajo el término teatro musical . [2] Los límites de las obras de arte relacionadas son fluidos y se redefinen constantemente en cada época, principalmente con respecto a las preferencias nacionales específicas. De esta forma, la ópera se mantiene viva como género y recibe constantemente nuevas inspiraciones de los más diversos ámbitos del teatro.
Los actos en el sentido estricto de hablar sólo en el escenario son raros en la historia del teatro . Formas mixtas de música, recitación y danza eran la norma, incluso si a veces los escritores y la gente de teatro intentaron salvar o reformar el drama. Desde el siglo XVIII, han surgido formas mixtas de drama y ópera de las diversas variedades de opéra-comique , como la ópera balada , Singspiel o farsa con canto. Los Singspiele de Mozart se consideran ópera, mientras que los de Nestroy se consideran obras de teatro. En la frontera z. B. también las obras de Brecht /Weill , cuya The Threepenny Opera se acerca más al drama, mientras que The Rise and Fall of the City of Mahagonny es una ópera. La música que está completamente subordinada a la actuación se llama música incidental .
Una forma de teatro muy extendida relacionada con el drama desde principios del siglo XIX fue el melodrama , que hoy en día solo está presente en películas populares. Con sus historias de aventuras, tuvo una gran influencia en la ópera de la época. En algunos lugares contenía música de fondo para subrayar la acción escénica (menos el texto hablado). A esto se refiere el término melodrama , todavía familiar hoy en día . Tal subrayado se puede encontrar, por ejemplo, en Idomeneo de Mozart, Fidelio de Ludwig van Beethoven , en Der Freischütz de Weber (en la escena Wolfsschlucht) y en Königskinder de Humperdinck .
En la tradición francesa, la danza se había integrado en la ópera desde el Barroco. En el siglo XIX, el ballet clásico rompió con dificultad esta conexión, pero en las obras neoclásicas del siglo XX, por ejemplo de Igor Stravinsky o Bohuslav Martinů , se confirma nuevamente la relación entre ópera y ballet. Incluso la ópera italiana no estuvo libre de danza, incluso si la danza no dominaba en la misma medida. Hoy en día, los ballets y los divertimentos de las obras del repertorio se eliminan en su mayoría de las partituras, dando la impresión de una separación de géneros .
El género de la opereta y formas afines, como la zarzuela , se diferencia de la ópera, que se compuso cada vez más a partir de mediados del siglo XIX , como un desarrollo posterior del Singspiel a través de los diálogos hablados, pero también a través de su pretensión predominante de entretenimiento y el esfuerzo principal por la popularidad o el éxito comercial . Esta demarcación solo surgió a fines del siglo XIX: cuando la "ópera cómica" había cambiado del género "bajo" al "alto", la opereta se formó como un nuevo género "bajo". Lo mismo se aplica al musical , la evolución del teatro musical popular en los Estados Unidos. Sin embargo, las operetas y los musicales son formas de arte no menos que la ópera.
Incluso en el teatro de la antigua Grecia , la acción escénica se combinaba con la música. La ópera moderna se refirió repetidamente a este modelo y, debido a que se sabe poco de la práctica de la interpretación, pudo interpretarlo en una amplia variedad de formas. Un coro que cantaba y bailaba jugaba un papel importante en la división del drama en episodios o en el comentario de la trama. Los romanos cultivaron la comedia más que la tragedia . Mimus y más tarde pantomimus tenían una alta proporción de música. A través de la destrucción de los teatros romanos en el siglo VI y la pérdida de libros en la antigüedad tardíamuchas fuentes al respecto se han perdido.
Sin embargo, desde principios del siglo XX, numerosos edificios antiguos, especialmente anfiteatros y teatros, se han utilizado para representaciones de ópera. Los más conocidos son el Théâtre Antique de Orange (con interrupciones desde 1869), la Arena di Verona (desde 1913), el Odeón de Herodes Atticus en Atenas (desde la década de 1930), las Termas de Caracalla en Roma (desde 1937) y el Cantera romana St. Margarethen (desde 1996).
En la Alta Edad Media , una nueva tradición de acción cantada surgió del servicio de Pascua . La obra espiritual tuvo lugar primero en la iglesia, luego en el siglo XIII como una obra de teatro de pasión o procesión fuera de la iglesia. Los temas populares fueron los eventos bíblicos de Pascua y Navidad, también con interludios cómicos. Las melodías a menudo se transmiten, el uso de instrumentos musicales es probable, pero rara vez verificable. En el ámbito cortesano hubo obras seculares como el melodioso Jeu de Robin et de Marion (1280) de Adam de la Halle .
El período del carnaval , que luego se convirtió en la tradicional temporada de ópera, ha ofrecido la oportunidad de eventos musicales y teatrales desde el siglo XV, que emanaban de las que entonces eran las ciudades europeas más grandes de Italia: Intermedia , espectáculos de danza, desfiles de máscaras y triunfales son parte de la representación urbana en el Renacimiento italiano . El madrigal era el género más importante de la música vocal ya menudo se combinaba con la danza.
La corte real en Francia ganó importancia en comparación con Italia en el siglo XVI. El Ballet comique de la Reine 1581 fue un acto bailado y cantado y se considera un importante precursor de la ópera.
Un primer intento en Alemania de realizar una acción dramática con protagonistas cantantes en un escenario es la representación de Orfeo y Amphion en un escenario simultáneo con motivo de la boda de Jülich de Johann Wilhelm von Jülich-Kleve-Berg con Margravine Jakobe von Baden en Düsseldorf en 1585. Como posible compositor de la música que no ha sobrevivido se nombra a Andrea Gabrieli . La música era tan hermosa "que las mismas personas / que no estaban presentes en ese momento / y escucharon tal Musicum concentum & Symphoniam / son capaces de creer" .espejo del príncipe .
La ópera tal como la conocemos hoy se originó en Florencia a finales del siglo XVI . La Camerata florentina , un grupo de debate académico en el que se reunían poetas (por ejemplo , Ottavio Rinuccini ), músicos, filósofos, nobles y un mecenas de las artes , jugó un papel importante en la historia de sus orígenes . Estos humanistas buscaron revivir el teatro antiguo , que creían que involucraba solistas vocales, coros y orquestas. Tras los dramas pastoriles del siglo XVI, el libretodiseñado y musicalizado con los medios musicales de la época. Vincenzo Galilei pertenecía a este grupo. Descubrió los Himnos de Mesomedes , ahora perdidos, y escribió un tratado contra la polifonía holandesa . Esta fue una clara evidencia del estilo musical deseado, el entonces nuevo canto en solitario con acompañamiento instrumental.
Lo más importante para la Camerata Florentiner era que se pudiera entender la letra de la música vocal . Se declaró como ideal una línea vocal clara y sencilla, a la que debía subordinarse el acompañamiento económico de contrabajo con pocos y silenciosos instrumentos como el laúd o el clavicémbalo . Las ideas melódicas muy elaboradas no eran deseables, para no oscurecer el significado de las palabras a través del canto. Incluso se habló de una "nobile sprezzatura del canto" ( Giulio Caccini : Le nuove musiche , 1601), un "noble desprecio por el canto". Este tipo de canto se llamaba recitar cantando, recitando el canto. La sencillez y limitación del recitar cantando contrasta con la polifonía imperante con sus complejas capas de tono y texto. Con la monodia , como se denominó a este nuevo estilo en referencia a la antigüedad, la palabra debería recuperar todos sus derechos. Se desarrolló una teoría de los afectos que podía ser transportada a través del texto cantado. A la monodia de las voces individuales se añadían coros en forma de madrigales o de motetes . La orquesta tocaba ritornellos y bailes en el medio.
La primera obra del género operístico es La Dafne de Jacopo Peri (estrenada en 1598) con texto de Ottavio Rinuccini , de la que sólo se han conservado algunos fragmentos. Otras obras importantes del período temprano son Peris Euridice (1600) como la ópera más antigua que se conserva, así como Euridice (1602) e Il Rapimento di Cefalo de Giulio Caccini . El material de estas primeras óperas se tomó de la poesía pastoril y, sobre todo, de la mitología griega . Los milagros, la magia y las sorpresas, representados por una elaborada maquinaria escénica , se convirtieron en ingredientes populares.
L'Orfeo (1607) , la primera ópera de Claudio Monteverdi, atrajo una atención particular . Se representó por primera vez en Mantua con motivo del cumpleaños de Francesco IV Gonzaga el 24 de febrero de 1607. En comparación con sus predecesores, aquí se puede escuchar por primera vez un conjunto de instrumentos más rico (aunque en su mayoría solo se insinúa en la partitura ), armonías desarrolladas , interpretación tonal , psicológica y pictórica de palabras y figuras, así como un instrumentación que caracteriza a los personajes . Los trombones se utilizan, por ejemplo, para las escenas del inframundo y la muerte, las cuerdas para las escenas del sueño y una para el personaje principal, Orfeo.Se utiliza un órgano con registros de madera ( órgano di legno ).
Monteverdi expande la línea vocal del recitar cantando a un estilo más parecido a un aria y le da mayor peso a los coros. Sus últimas obras Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) y L'incoronazione di Poppea (1643) son dramas destacados en la historia de la ópera. En esta última ópera de Monteverdi, L'incoronazione di Poppea , se encuentra el prólogo representado por tres figuras alegóricas , en las que Fortuna se burla de Virtù (virtud). El resto de la acción tiene lugar en el mundo terrenal alrededor del emperador romano Nerón , su amada esposa Ottavia y Poppea ., la esposa del pretor Ottone . Esta se convierte en esposa y emperatriz de Nerón. El carácter brutal de Nero es interpretado por un castrati y la música correspondientemente virtuosa, mientras que Ottone parece suave, y al digno maestro y consejero de Nero, Seneca , se le asigna la voz del bajo. El canto del bel canto y una gran cantidad de coloratura se utilizan para la nobleza y los dioses, mientras que los ariosi y las canciones más simples se utilizan para los demás personajes.
En 1637, el Teatro San Cassiano de Venecia fue el primer teatro de ópera público en abrir. Surgieron nuevos lugares en rápida sucesión, y Venecia se convirtió en el centro de la ópera del norte de Italia con su “Ópera veneciana”. Las representaciones históricas pronto suplantaron a los temas míticos, como en la ópera L'incoronazione di Poppea (1642), que todavía lleva el nombre de Claudio Monteverdi, aunque los estudiosos desde Alan Curtis han debatido si en realidad es un pasticcio que se refiere al uso hecho de nombres famosos [3]
La audiencia de estas óperas estaba compuesta principalmente por miembros de las propiedades no nobles. La nobleza dadora de dinero determinaba el programa según el gusto del público. En este contexto, se comercializó y simplificó la ópera surgida de las academias, y se redujo la orquesta. El aria da capo con un recitativo precedente formó un canto solista durante mucho tiempo, mientras que los coros y los conjuntos se acortaron. Las confusiones y las intrigas formaron la base de las tramas, que se enriquecieron con escenas cómicas de los populares personajes secundarios. Francesco Cavalli y Antonio Cestifueron los compositores de ópera venecianos más conocidos de la generación posterior a Monteverdi. Se consideró que los escritores Giovanni Francesco Busenello y Giovanni Faustini definieron el estilo y, a menudo, fueron imitados.
A partir de la década de 1650, la ciudad de Nápoles se convirtió en el segundo centro de ópera de Italia, más fuertemente influenciado por el gusto de la aristocracia. El compositor Francesco Provenzale es considerado el fundador de la ópera napolitana . En la siguiente generación, Alessandro Scarlatti se convirtió en el precursor de la Escuela Napolitana .
Los libretistas ganaban su dinero vendiendo libretos, que se distribuían antes de la función junto con velas de cera para leer. Durante mucho tiempo, la literatura del humanismo renacentista siguió siendo el modelo de los textos de ópera italianos.
Las óperas solo se representaban en ciertas estaciones ( italiano : stagione ): durante el carnaval, desde Pascua hasta las vacaciones de verano y desde el otoño hasta el Adviento. Los oratorios se tocaban en cambio durante las temporadas de Pasión y Adviento . En Roma , no sólo se dio mayor peso a los efectos de máquina y los coros, sino también al material espiritual.
En París , Jean-Baptiste Lully , junto con su libretista Philippe Quinault , desarrollaron una versión francesa de la ópera, cuyo elemento más destacado, además de los coros, es el ballet . Lully escribió una versión francesa de L'ercole amante (1662) de Cavalli, en la que insertó ballets que fueron más aclamados que la ópera. Cadmus et Hermione (1673) se considera la primera tragédie lyrique y siguió siendo un modelo para las óperas francesas posteriores.
Importada de Italia, la ópera fue rechazada por la tragédie lyrique. Sin embargo, los sucesores de Lully, Marc-Antoine Charpentier y André Campra , intentaron combinar recursos estilísticos franceses e italianos.
Basada en modelos italianos, se desarrolló una tradición de ópera independiente dentro del área de habla alemana a mediados del siglo XVII, que también incluía el uso de libretos en alemán.
La primera ópera de un compositor “alemán” fue la (perdida) Dafne de Heinrich Schütz en 1627 , quien se había familiarizado con la forma musical de la ópera durante su visita de estudio a Italia de 1609 a 1613. En 1644, la primera ópera en alemán que se conserva fue escrita por Sigmund Theophil Staden con libreto de Georg Philipp Harsdörffer Das Geistlich Waldgedicht o Freudenspiel, llamada Seelewig , una obra didáctica pastoral muy cercana al drama escolar moralizante del Renacimiento.
Poco después de la Guerra de los Treinta Años , los teatros de ópera se establecieron cada vez más en los países de habla alemana como lugares centrales de reunión y representación para las clases dirigentes de la sociedad. Las principales casas principescas y reales jugaron un papel central en esto, ya que cada vez ofrecían sus propios teatros de la corte y artistas asociados, que generalmente también estaban abiertos al público (rico). Munich obtuvo su primer teatro de ópera en 1657, Dresde en 1667.
plebeyos, es decir h Los teatros de ópera “públicos y populares” financiados por las ciudades y/o actores privados burgueses como en Venecia, en cambio, sólo existieron en Hamburgo (1678), Hannover (1689) y Leipzig (1693). En contraste consciente con las óperas en italiano en las casas "nobles", la Ópera de Hamburgo en Gänsemarkt en particular, como el teatro de ópera burgués más antiguo de Alemania, se centró deliberadamente en obras y autores en alemán. Así Handel , Keizer , Mattheson y Telemann . Los ya establecidos a principios del siglo XVIII con libretos en lengua alemana de poetas como Elmenhorst, enemigo , Hunold y Postel una ópera independiente en lengua alemana y tradición Singspiel . La importancia de Hamburgo para el desarrollo de una tradición operística independiente en lengua alemana también se destaca en los dos escritos contemporáneos sobre la teoría de la ópera: Dramatologia de Heinrich Elmenhorst (1688) y Gedancken von der Opera de Bartholdfein (1708).
En Inglaterra , la ópera sólo se difundió relativamente tarde. La forma dominante de teatro musical en la época del teatro isabelino era la mascarada , una combinación de danza, pantomima, teatro hablado e interludios musicales, en la que el texto musicalizado no solía estar directamente relacionado con la acción. Tras la prohibición puritana de las representaciones musicales y teatrales en 1642, no fue hasta la Restauración Estuardo en 1660 que se restableció la vida teatral, en la que se integró la ópera.
Una obra que es única en todos los aspectos es la ópera de casi una hora de duración Dido and Aeneas de Henry Purcell (primera representación probablemente en 1689, libreto: Nahum Tate ). El compositor retoma elementos de la ópera francesa e italiana, pero desarrolla un lenguaje tonal propio, que se caracteriza sobre todo por mantenerse muy cerca del texto. Los pasajes corales y las secciones de danza contrastan con los pasajes arioso de los personajes principales, que se manejan casi sin formas tipo aria. Los estados de ánimo y situaciones cambiantes se reproducen con precisión con medios musicales; la escena final, cuando la reina cartaginesa Dido , por amor infeliz al héroe troyano Eneasmuere con el corazón roto es una de las cosas más conmovedoras de la literatura operística.
A lo largo del siglo XVIII surgieron dos tipos de ópera: además de la establecida ópera seria , que se basaba principalmente en la necesidad de representación y legitimación de la nobleza, que se basaba mayoritariamente en temas mitológicos o históricos y cuyo personal estaba formado por dioses , semidioses, héroes, príncipes y sus amantes y sus sirvientes, la ópera bufa con tramas inicialmente toscamente cómicas que se tornan en burguesas-sentimentales.
La competencia de óperas italianas en Francia es, por un lado, la tragédie lyrique cortesana , con su variedad de instrumentos más rica en comparación con las óperas italianas más antiguas, y por otro lado, la opéra-comique , que se origina en el teatro de feria de París . Estos géneros también inspiran representaciones operísticas fuera de Francia en su propia lengua vernácula, como un contrapeso local a los omnipresentes cantantes virtuosos italianos.
La tendencia surgida en Italia en el segundo cuarto del siglo XVIII de convertir el dramma per musica original en un aria concerto o una ópera numérica con un contenido y una música fijos fue decisiva para el estilo. Otro desarrollo central durante la primera mitad del siglo XVIII es la división de las arias da capo de cinco partes con la secuencia AA'-B-AA' en subgrupos específicos:
La estrella de la velada también supo insertar un aria baule virtuosa (“aria de la maleta”) que nada tenía que ver con la trama. Tales arias podrían intercambiarse fácilmente o usarse más de una vez. El canto del bel canto se convirtió en una presentación de técnicas de canto virtuosas que incluían notas altas extremas, trinos suaves y saltos amplios.
Debido a que el concepto de fidelidad a la obra aún no estaba establecido en el siglo XVIII y los clientes y el público siempre querían nuevas óperas que nunca antes se habían escuchado, y debido a que muchas compañías de ópera a menudo tenían recursos limitados en términos de instrumentistas y cantantes, había La práctica interpretativa generalizada en el siglo XVIII consiste en unir arias y conjuntos de diferentes obras de la manera más eficaz posible, dependiendo de la instrumentación existente, y subrayar dicha secuencia de números musicales con nuevos textos y una nueva trama. Este tipo de ópera se llamaba pasticcio.; una ópera pasticcio podría ser escrita por un solo compositor, reutilizando números existentes de obras anteriores, o podría estar compuesta por obras de diferentes compositores. Como resultado de esta práctica, la trama y el estado de ánimo de una representación de ópera no se fijaron hasta finales del siglo XVIII, y en algunos lugares incluso hasta la década de 1830, y estuvieron sujetos a constantes ajustes, transformaciones y cambios. La práctica del pasticcio hizo que, hasta principios del siglo XIX, casi ninguna interpretación de la misma obra se pareciera a una anterior, ni musicalmente ni en términos de contenido.
El caos argumental resultante, generado por la estrategia de satisfacer simultáneamente diferentes expectativas, repelió a los libretistas italianos Apostolo Zeno y Pietro Metastasio . Como contramedida, desde finales de la década de 1730 en adelante prescindieron cada vez más de tramas secundarias superfluas, alegorías míticas y personajes secundarios y, en cambio, prefirieron una trama y un lenguaje claros y comprensibles. Al hacerlo, crearon la base para un tipo de ópera más "seria" que iba más allá de la práctica habitual de interpretación de la ópera seria.. La trama desarrollada para este propósito involucra gradualmente a los personajes principales en un dilema aparentemente irresoluble, que finalmente mejora con una idea inesperada ( lieto fine ). Ambos autores introdujeron también una renovación poética de la ópera. Contra la arbitrariedad del pasticcio , numeraron las partes musicales, lo que dificultó su intercambio. Hicieron una contribución significativa al desarrollo de la ópera número con su secuencia fija. Como obra independiente con una trama estricta, la ópera ahora podía defenderse del drama .
El género de la ópera buffa surgió simultáneamente en Nápoles y Venecia como un tipo de ópera mayoritariamente alegre y realista. Por un lado, estaban las comedias musicales independientes, por otro lado, los cómicos intermezzi a la ópera seria a principios de la década de 1730, de los que Apostolo Zeno y Pietro Metastasio habían excluido los elementos cómicos, por lo que tuvieron que limitarse a insertos. entre los actos. Se considera que las obras que definen el estilo son la ópera Lo frate 'namorato de Giovanni Battista Pergolesi , estrenada el 28 de septiembre de 1732 en el Teatro dei Fiorentini de Nápoles, y las obras estrenadas en Venecia a partir de mediados de la década de 1740.Baldassare Galuppis , creado en estrecha colaboración con Carlo Goldoni .
En términos de contenido, la ópera buffa bebió del rico fondo de la commedia dell'arte . Las acciones eran a menudo comedias equivocadas, el personal estaba formado por una pareja noble y dos subordinados, a menudo sirvientas y sirvientes. A diferencia de la ópera seria, estas últimas pueden aparecer como actores principales, con los que un público burgués y subburgués podría identificarse. Sin embargo, la ópera bufa también fue apreciada por la aristocracia, que apenas se tomaba en serio sus provocaciones.
A partir de mediados del siglo XVIII, la comedia de la ópera bufa comenzó a trasladarse a actos cotidianos y contemporáneos en los que los nobles ya no eran inexpugnables. Don Giovanni (1787) de Mozart fue considerada inicialmente como una ópera bufa y sólo fue reinterpretada en el siglo XIX, cuando el destino del burgués seducido podía tomarse en serio y el noble seductor podía ser considerado un villano.
Una expresión de estos cambios es el mayor desarrollo de la ópera bufa hacia el tipo de ópera semiseria a fines del siglo XVIII, porque una audiencia de clase media ya no quería que se rieran de ella en el escenario. La cercanía a la vida cotidiana de la ópera buffa y su contraparte francesa, la opéra-comique , fue socialmente explosiva en la segunda mitad del siglo XVIII. Relacionado con esto estuvo la disputa bufonista que tuvo lugar en Francia entre 1752 y 1754 . Jean-Jacques Rousseau valoraba más el tipo de ópera "alegre" burguesa que la tragédie lyrique de la alta aristocracia. Su condena de la ópera francesa a favor de la ópera italiana provocó reacciones airadas.
En el mundo de habla inglesa, Georg Friedrich Handel (en inglés George Frideric Handel) se convirtió en uno de los compositores de ópera más productivos (más de 45 óperas). Su trabajo en Londres no tuvo el éxito comercial deseado, p. debido a la dura competencia del famoso castrato Farinelli , que cantaba en la compañía de ópera rival, y los honorarios ruinosos de las prima donnas contratadas. En el siglo XX, Alcina , Giulio Cesare y Serse en particular han regresado al repertorio, al igual que muchas otras óperas de Handel en las últimas décadas (incluyendo Ariodante , Rodelinda , Giustino). Después de que la práctica histórica de la interpretación se investigara cada vez mejor en el curso del movimiento de la música antigua , también se crearon producciones que definieron el estilo con la participación de especialistas barrocos en los principales teatros de ópera.
La contrapartida francesa de la controvertida ópera buffa de París fue la opéra-comique . Los recitativos fueron reemplazados por diálogos hablados. Este modelo también tuvo éxito en el exterior. La nueva sencillez y cercanía a la vida también se refleja en pequeñas arietas y nouveaux airs , que, a diferencia de los conocidos vodeviles , fueron de nueva composición.
En 1752 Francia vivió un nuevo enfrentamiento entre la ópera francesa y la italiana, que pasó a la historia como la Controversia Buffonista . La ópera de Giovanni Battista Pergolesi La serva padrona (inglés: La criada como amante ) fue la ocasión para esto. Sobre todo, Jean-Jacques Rousseau y Denis Diderot se opusieron a la artificialidad y estilización de la ópera aristocrática francesa convencional , quienes se defendieron contra el arte y la estilización de Rameau . Rousseau escribió además de la ópera de diseño deliberadamente simple Le devin du village (en alemán: The Village Fortune Teller) también escribió un tratado premiado titulado Discours sur les sciences et les arts (1750), en el que declaró que una vida no contaminada por la ciencia y la cultura era el ideal. Escribió otros artículos musicales para la famosa Enciclopedia integral de la Ilustración francesa. La polémica bufonista acabó perjudicando a la compañía de ópera italiana, que fue expulsada de la ciudad. Esto puso fin a la disputa por el momento, pero la grand opéra todavía estaba rezagada con respecto a la opéra comique en términos de popularidad.
El cierre de la ópera en Gänsemarkt en 1738 condujo a un mayor fortalecimiento del negocio de la ópera en italiano en el área de habla alemana, que ya era dominante en ese momento. Sin embargo, desde mediados del siglo XVIII, basándose en el modelo de Hamburgo, se instauró la práctica de traducir los recitativos al alemán para las representaciones de óperas francesas e italianas y, por razones predominantemente musicales, conservar únicamente el idioma original para las arias. Además, desde mediados del siglo XVIII, la venta o distribución al público de explicaciones impresas y traducciones de obras en idiomas distintos al alemán se hizo cada vez más común.
Alrededor de 1780, con la obra de Wolfgang Amadeus Mozart , finalmente comenzó un desarrollo que duró hasta bien entrado el siglo XIX, lo que condujo al creciente desplazamiento del idioma italiano, que anteriormente había sido dominante, a favor de las obras y representaciones en alemán. traducción. Mozart encontró su propia manera de lidiar con la tradición de la ópera italiana. De joven tuvo varios éxitos en Italia (entre otros con Lucio Silla y Mitridate, re di Ponto ) y compuso su primera obra maestra para Munich con Idomeneo (1781), una ópera seria también escrita en italiano. De esta forma debería con La clemenza di Tito(1791) regresa poco antes de su muerte. Tras el Singspiele Bastien und Bastienne , Zaide (fragmento) y Die Entführung aus dem Seraglio (con esta ópera, estrenada en 1782, consiguió establecerse como compositor freelance en Viena), lo hizo en su Figaro (1786) e incluso más aún en Don Giovanni (1787), Opera seria y Opera buffa para volver a acercarse. Además de este último, Così fan tutte fue escrito en 1790 como la tercera obra en agradable colaboración con el libretista Lorenzo Da Ponte . En La flauta mágica (1791), Mozart combinó elementos de la ópera con los del Singspiel.y el antiguo teatro mágico vienés predominante localmente , que obtuvo su efecto particularmente de efectos escénicos espectaculares y una historia de cuento de hadas. También había ideas y símbolos de la masonería (el propio Mozart era miembro de la logia). Las óperas de Mozart (y especialmente La flauta mágica ) siguen siendo parte del repertorio estándar de todos los teatros de ópera. Él mismo describió la ópera como una "gran ópera en dos actos".
Christoph Willibald Gluck , que también trabajó tanto en Italia como en Viena, lideró una reforma operística integral con sus óperas Orfeo ed Euridice (1762) y Alceste (1767), en las que combinó elementos de la ópera seria de Italia y Francia con los más realistas. nivel de acción de la ópera buffa a. El curso de acción consistentemente claro y lógico, diseñado por Ranieri de' Calzabigi , se las arregla sin intrigas complejas o dramas de confusión. El número de protagonistas se reduce. El objetivo final es una mayor sencillez y comprensibilidad de la trama.
La música de Gluck está completamente subordinada a la dramaturgia y al texto, caracteriza situaciones y personas y no defiende el canto del bel canto como tal. Las canciones compuestas a través o estróficas reemplazaron el aria da capo. Esto logró una nueva naturalidad y simplicidad que contrarrestó el patetismo hueco y los gestos del cantante. Fiel al modelo antiguo, el coro intervino activamente en la acción. La obertura se relaciona con la trama y ya no se presenta como una pieza instrumental separada antes de la ópera. El arioso italiano, el ballet y la pantomima franceses, la canción inglesa y alemana y el vodevil se incorporaron a la ópera, no como piezas separadas sino como un nuevo estilo clásico. Las ideas estéticas de Gluck se inspiraron en sus alumnos.Antonio Salieri lo llevó a nuevas alturas a fines del siglo XVIII. Las óperas Les Danaïdes , Tarare y Axur, re d'Ormus son particularmente significativas .
Otra expresión de la mayor proximidad de la ópera buffa a la vida cotidiana y de las innovaciones en la reforma de la ópera inspiradas por Christoph Willibald Gluck es la práctica que comenzó en la segunda mitad del siglo XVIII de prescindir de papeles castrados altos para papeles masculinos en favor de papeles más realistas. voces Además de la diferenciación consciente de la cultura operística de la nobleza, fuertemente influenciada por el virtuosismo de los castrati, las razones económicas también jugaron un papel decisivo. Dado que los empresarios apuntaban a un público burgués y subburgués menos pudiente con la ópera bufa, el costo de la tarifa era horrendo.de un conocido neutro apenas para ganar. La identificación resultante de la cultura virtuosa de los roles castrati con la costosa tradición de la ópera seria moldeada por la nobleza también explica la desaparición de los castrati del negocio de la ópera después del final del Antiguo Régimen y el consiguiente aumento de la ópera buffa y la ópera buffa. debido al elenco de voces “más natural” La ópera semiseria formó clases medias a la clase social del siglo XIX, que también era líder en el campo de la ópera.
En el primer cuarto del siglo XIX, los recitativos acompañados por el bajo continuo desaparecieron cada vez más en favor de una versión orquestal notada. Además de la ópera italiana, que había sido líder hasta entonces, y los tipos de ópera franceses, fueron apareciendo gradualmente otras formas de ópera nacional, primero en Alemania. La Revolución Francesa y el ascenso de Napoleón mostraron su impacto en la ópera más claramente en la única ópera de Ludwig van Beethoven , Fidelio y Leonore (1805, 1806 y 1814). La dramaturgia y el lenguaje musical se basan claramente en Médée de Luigi Cherubini . (1797). La trama se basa en un "fait historique" de Jean-Nicolas Bouilly compuesto por Pierre Gaveaux en 1798 bajo el título Léonore, ou L'amour conjugal ; por lo tanto, los ideales de la Revolución Francesa también forman el trasfondo de la ópera de Beethoven. Fidelio se puede contar entre el tipo de " ópera de rescate ", en el que el tema es el rescate dramático de una persona de un gran peligro. Formalmente, la obra es inconsistente: la primera parte es tipo singspiel, la segunda con el final coral a gran escala logra poder sinfónico y se acerca al oratorio . Después de La flauta mágica y Fideliola producción alemana necesitó varios intentos para finalmente desarrollar su propio lenguaje operístico en la era romántica. Uno de los precursores más importantes de ello lo aportaron ETA Hoffmann con su ópera romántica Undine y Louis Spohr con su ambientación de Fausto (ambas de 1816).
Al final, fue Carl Maria von Weber quien revivió apropiadamente la ópera alemana en la forma de Freischütz en 1821 , basada en la tradición Singspiel con una gran cantidad de color dramático en la orquesta . Su obra Oberon (Londres 1826), que apenas se interpretó por lo pobre del libreto, atribuyó tanta importancia a la orquesta que posteriormente se refirieron a él compositores de renombre como Gustav Mahler , Claude Debussy e Igor Stravinsky .
Otros compositores del romanticismo alemán fueron el muy romántico Franz Schubert ( Fierrabras , compuesta en 1823, UA 1897), que apenas era conocido como compositor de ópera y cuyos amigos no pudieron proporcionarle una plantilla de texto agradable, y Robert Schumann , quien, con la ambientación del tema Genoveva , popular entre los románticos, sólo tuvo una ópera (1850). También vale la pena mencionar a Heinrich Marschner , quien tuvo una gran influencia en Richard Wagner con sus óperas sobre eventos sobrenaturales y descripciones de la naturaleza ( Hans Heiling , 1833) , Albert Lortzing con sus óperas (incluyendo Zar y Zimmermann, 1837, así como Der Wildschütz , 1842), Friedrich von Flotow con su ópera cómica Martha (1847) y finalmente Otto Nicolai , que aportó algo de "italianità" a la ópera alemana con Las alegres mujeres de Windsor (1849).
Finalmente, Richard Wagner remodeló la ópera tan fundamentalmente de acuerdo con sus ideas que los compositores alemanes mencionados anteriormente de repente se desvanecieron en un segundo plano junto a él. Con Rienzi (1842), el hasta entonces poco exitoso Wagner experimentó su primer éxito en Dresde; más tarde fue superado por The Flying Dutchman (1843). Debido a su participación en la Revolución de marzo de 1848 en Dresde , Wagner tuvo que exiliarse en Suiza durante muchos años. Su futuro suegro, Franz Liszt , contribuyó al estreno de Lohengrin (1850) en Weimar .contribuyó al hecho de que Wagner todavía estaba presente en Alemania. Con el apoyo del joven rey bávaro Ludwig II , Wagner finalmente pudo realizar el anhelado plan del Ring des Nibelungen , para el cual hizo construir el Bayreuth Festival Hall , en el que solo se reproducen sus obras hasta el día de hoy.
La innovación fundamental de Wagner consistió en la completa disolución del número de ópera. Las tendencias hacia las óperas compuestas ya eran evidentes en Freischütz de Weber o en Genoveva (1850) , raramente interpretada , de Robert Schumann . Este desarrollo solo fue completado consistentemente por Wagner. Además, trató las partes vocales y la parte orquestal en pie de igualdad. La orquesta ya no acompaña al cantor, sino que aparece como un “ abismo místico ” en una variedad de relaciones con lo cantado. La duración de las óperas de Wagner exige mucha concentración y perseverancia tanto de los cantantes como de los oyentes. Los temas de su - con la excepción de algunas obras tempranas y el Meistersinger - Las óperas consistentemente serias, cuyos libretos él mismo escribió, son a menudo la salvación a través del amor, la renuncia o la muerte.
En Tristán e Isolda (1865), Wagner trasladó en gran medida el drama al espacio interior psíquico de los personajes principales, que luego pudo iluminar con su música; la trama exterior de la ópera, por otro lado, es inusualmente tranquila. Los armónicos también sirvieron para dar forma a este interior “oceánico”, que con el “ acorde de Tristán ” relegó a un segundo plano las reglas armónicas anteriormente válidas y pasó así a la historia de la música. Musicalmente, las óperas de Wagner se caracterizan tanto por su ingenioso tratamiento de la escritura orquestal, que también tuvo una fuerte influencia en la música sinfónica de la época hasta Gustav Mahler , como por el uso de motivos recurrentes, los llamados leitmotivs .que conectan con personajes, situaciones, conceptos individuales o con determinadas ideas. Con el Ring des Nibelungen (compuesto entre 1853 y 1876), probablemente el ciclo de ópera en cuatro partes más conocido (de ahí que también se le llame simplemente "la tetralogía") con una duración total de unas 16 horas, Wagner creó una realización musicodramática monumental. de su ópera y teatro (1852) desarrolló una reforma de la ópera tradicional. La obra del festival de consagración escénica Parsifal fue la última de sus óperas, que dividió el mundo de la música en dos bandos y ambos imitadores ( Engelbert Humperdinck , Richard Strauss antes de su Salomé) así como a los escépticos, especialmente en Francia.
En Francia prevaleció inicialmente la forma de la opéra-comique , desarrollada en la segunda mitad del siglo XVIII . La ópera La muette de Portici (1828) de Daniel-François-Esprit Auber , en la que la heroína del título era interpretada por una bailarina que permanece muda, logró conectar con la grand opéra (“gran ópera”). El dramaturgo Eugène Scribe se convirtió en su principal libretista. En la grand opéra, además de las complejidades de la historia de amor típica de la ópera, afloraron motivos históricos y políticos, como queda claramente de manifiesto en la última ópera de Rossini, Guillaume Tell .(1829) está pregrabado. El representante más exitoso de la Grand Opéra fue Giacomo Meyerbeer , con sus obras Robert le diable (1831), Les Huguenots (1836) y Le prophète (1849), que fueron interpretadas en el repertorio internacional durante décadas e incluso hasta principios del siglo XX. Otros ejemplos importantes son La Juive (1835) de Halévy , Dom Sébastien (1843) de Donizetti o Don Carlos (1867) de Verdi .
Alrededor de 1850, la opéra comique y la grand opéra se fusionaron en una nueva forma de ópera sin diálogo. En 1875, Georges Bizet escribió su obra escénica más famosa, Carmen , como una opéra comique, cuyos recitativos fueron añadidos póstumamente por Ernest Guiraud . Si la trama y el tono 'realistas' de la obra no se adaptan a una gran ópera, entonces nuevamente el trágico final, que inicialmente causó un fracaso en el estreno, está en desacuerdo con la opéra comique. Otros ejemplos de la mezcla de opéra comique y grand opéra son Faust (1859) de Charles Gounod -aquí se utiliza por primera vez el término drame lyrique- y Jacques Offenbach Les contes d'Hoffmann ( Cuentos de Hoffmann , 1871–1880).
Finalmente, Rusia entró en escena con sus primeras óperas nacionales, impulsada por la importación de otros éxitos de Occidente. En 1836, Mikhail Glinka compuso la ópera Жизнь за царя ( Schisn sa zarja , inglés: A Life for the Tsar , rebautizada como Ivan Susanin en la Unión Soviética ). El trabajo tiene un tema ruso, pero musicalmente todavía está fuertemente influenciado por las influencias occidentales. Su ópera más conocida Ruslan y Lyudmila tuvo una gran influencia en las siguientes generaciones de compositores rusos. Modest Mussorgsky rompió con Boris Godunov (1874) basado en un drama de Alexander Pushkindefinitivamente de las influencias occidentales. El príncipe Igor de Borodin (1890) también continuó el legado de Glinka. Pyotr Tchaikovsky se situó entre las tradiciones rusas y las del mundo occidental y diseñó con Eugen Onegin (1879) y Pique Dame (1890) dramas de amor con actores burgueses, los cuales también se basan en una plantilla de Pushkin.
En Bohemia , Bedřich Smetana y Antonín Dvořák fueron los compositores interpretados con más frecuencia de la Ópera Nacional de Praga, que comenzó con Libuše de Smetana (1881) en el nuevo Teatro Nacional de Praga. The Bartered Bride (1866) del mismo compositor se convirtió en un éxito de exportación. La ópera Rusalka (1901) de Dvořak combinó leyendas populares y fuentes de cuentos de hadas alemanes en una ópera de cuento de hadas lírica. Bohuslav Martinů y Leoš Janáček continuaron con sus esfuerzos. Este último compositor ha sido redescubierto en su modernidad en las últimas décadas y ha conquistado cada vez más el repertorio. TiempoThe Cunning Little Vixen (1924) todavía se presenta principalmente en la traducción al alemán de Max Brod , otras obras como Jenůfa (1904), Káťa Kabanová (1921) o Věc Makropulos (1926) se interpretan cada vez más en la versión original en checo; esto es importante porque el lenguaje tonal de Janáček sigue de cerca la fonética y la prosodia de su lengua materna.
Italia se enamoró del joven y prolífico compositor de bel canto Gioachino Rossini a partir de 1813, cuando sus óperas Tancredi y L'italiana se representaron en Argelia . Il barbiere di Siviglia (1816), La gazza ladra (ing. La urraca ladrona ) y La Cenerentola (ambas de 1817) basadas en el cuento de hadas de Cenicienta de Charles Perraulttodavía se puede encontrar en el repertorio estándar de los teatros de ópera en la actualidad. El ritmo elástico y una orquestación ingeniosa y brillante, así como un tratamiento virtuoso de la voz, hicieron de Rossini uno de los compositores más populares y venerados de Europa. Rossini escribió los adornos improvisados de los cantantes, que habían sido habituales hasta ese momento, firmemente en sus partes y evitó así improvisaciones excesivas. Realizó una nueva idea formal con su scena ed aria , que aflojó la rígida alternancia de recitativo y aria y, sin embargo, mantuvo el principio de la ópera numérica. Además, Rossini también escribió toda una serie de operes series (por ejemplo, su Otello , 1816, o Semiramide, 1823). En 1824 se fue a París y escribió importantes obras para la Ópera. Escribió una gran ópera política sobre Wilhelm Tell ( Guillaume Tell , 1829), que fue prohibida en Austria y representada en varios lugares de Europa en una versión difusa con otros héroes principales.
Los contemporáneos y sucesores más jóvenes de Rossini copiaron inicialmente su estilo rico en coloratura, hasta que Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti , en particular, lograron emanciparse del modelo abrumador con su propio estilo algo más simple, expresivo y romántico. Bellini fue famoso por la declamación expresiva y pulida de sus recitativos y las melodías "infinitamente" largas y expresivas de sus óperas, como Il pirata (1827), I Capuleti ei Montecchi (1830), I puritani (1835), La sonnambula ( 1831), y especialmente Norma(1831). Bellini escribió el papel principal de esta ópera con la famosa aria “Casta diva”, al igual que la Amina en La sonnambula , para la gran cantante Giuditta Pasta . Norma es tan exigente que solo puede ser cantada e interpretada por muy pocos grandes cantantes, fue rescatada del olvido nuevamente por la histórica interpretación de Maria Callas .
Donizetti, que era unos años mayor que él, fue un compositor extremadamente diligente que, junto con Bellini y especialmente después de su temprana muerte (1835), se convirtió en el compositor de ópera italiano más exitoso. Tuvo su primer gran avance con Anna Bolena (1830), cuyo papel principal también fue creado por Pasta y redescubierto por Callas. Por el contrario, Lucia di Lammermoor (1835) con la famosa escena loca rica en coloratura nunca desapareció por completo del repertorio y, junto con las alegres óperas L'elisir d'amore (1832), Don Pasquale (1843) y La fille du régiment (1840) constantemente en los horarios de los teatros de ópera.
Las amplias melodías de Bellini causaron una fuerte impresión en el joven Giuseppe Verdi . Desde su tercera ópera , Nabucco , ha sido considerado como el compositor nacional de Italia, que todavía estaba gobernada por los Habsburgo . El coro "Va, pensiero, sull' ali dorate" se convirtió en el himno nacional secretodel país. Musicalmente, la música de Verdi se caracteriza por un ritmo claro y fuertemente enfatizado sobre el cual se desarrollan melodías simples, a menudo extremadamente expresivas. En sus óperas, en las que el propio Verdi contribuyó a menudo al libreto con su inconfundible instinto teatral, las escenas corales juegan inicialmente un papel importante. Verdi abandonó cada vez más la ópera tradicional; la tensión emocional constante requería una mezcla variada de escenas y arias individuales. Con Macbeth , Verdi finalmente se alejó de la ópera y continuó su camino de retratos íntimos de individuos. Con La traviata (1853, basada en la novela de 1848 La dama de las camelias de Alexandre Dumas el Joven, que gira en torno a la figura auténtica de la cortesana Marie Duplessis ), llevó por primera vez al escenario operístico material contemporáneo, pero la censura lo obligó a trasladar la trama a la actualidad. Verdi a menudo puso música a modelos literarios, por ejemplo, por Friedrich Schiller (por ejemplo, Luisa Miller después de Kabale und Liebe o I masnadieri después de Die Räuber ), Shakespeare o Victor Hugo ( Rigoletto ). Con sus contribuciones a la Grand Opéra , escrita para París (por ejemplo , Don Carlos , 1867), también renovó esta forma y tomó con el difuntoOtello recogió elementos del drama musical de Richard Wagner hasta que,a los 80 años, compuso su última de casi 30 óperas, la sorprendente comedia Falstaff (1893; poesía en ambos casos de Arrigo Boito ). Probablemente su ópera más popular sea Aida , escrita en 1871.
Después de la partida de Verdi, los jóvenes veristas (italiano vero = verdadero) conquistaron la escena en Italia. El naturalismo sin adornos era uno de sus ideales estéticos más elevados; en consecuencia, se abstuvo del verso cuidadosamente compuesto. Pietro Mascagni ( Cavalleria rusticana , 1890) y Ruggero Leoncavallo ( Pagliacci , 1892) fueron los compositores más típicos de este período. Giacomo Puccini , por otro lado, creció en fama mucho más allá de ellos y sigue siendo uno de los compositores de ópera más interpretados en la actualidad. La Bohème (1896), un retrato costumbrista del París de principios de siglo, el "thriller político"Tosca (1900, basada en el drama homónimo de Victorien Sardou) y Madama Butterfly del Lejano Oriente (1904), con la inacabada Turandot (estrenada póstumamente en 1926) incrementada aún más en exotismo, se han convertido en éxitos principalmente por sus melodías. Puccini fue un eminente artista teatral y supo escribir para la voz; la instrumentación de sus partituras, en su mayoría ambientadas para gran orquesta, es muy diferenciada y magistral. [4] Actualmente, el compositor ítalo-alemán Alberto Franchetti , muy popular en su momento, a pesar de tres éxitos mundiales ( Asrael , Christoforo Colombo y Germania) casi olvidado mientras tanto, tímidamente redescubierto. Alfredo Catalani , activo en la misma época, comprometido con un ideal musicodramático diferente al de los veristas , sus obras, muy populares entre el público, también están intercaladas con elementos fantásticos. Su última y ahora más conocida ópera, La Wally , basada en la novela Die Geier-Wally de Wilhelmine von Hillern , se estrenó el 20 de enero de 1892 en el Teatro alla Scala de Milán.
Claude Debussy finalmente logró liberarse de la influencia del alemán y creó uno de los ejemplos más matizados de la técnica leitmotiv heredada de Wagner con Pelléas et Mélisande en 1902 . El texto de Maurice Maeterlinck ofrecía abundante simbolismo ambiguo, que Debussy adoptó en el lenguaje orquestal. Las partes vocales estaban casi en su totalidad en forma de recitativo y ofrecían un contraejemplo a la "melodía infinita" de Wagner con el "recitativo infinito". Una de las raras excepciones que ofrece al oyente una línea vocal es la sencilla canción de Mélisande que, por su brevedad y austeridad, difícilmente puede considerarse como un aria genuina.
Según Richard Strauss , quien inicialmente se convirtió en un expresionista romántico tardío con Salomé y Elektra , pero luego volvió a estilos compositivos anteriores con Der Rosenkavalier y varias obras todavía se reproducen ampliamente en la actualidad (por ejemplo , Ariadne auf Naxos , Arabella , Die Frau ohne Shadow y La mujer silenciosa ), solo unos pocos compositores lograron encontrar un lugar permanente en el repertorio de los teatros de ópera. En cambio, las obras del pasado fueron (y aún son) atendidas. La inclusión de una obra contemporánea en el repertorio estándar sigue siendo la excepción.
Sin embargo, Alban Berg logró hacerlo con sus óperas Wozzeck , que fue creada en tonos libres, y Lulu , que usa música de doce tonos por completo. Friedrich Cerha completó Lulu , que inicialmente permaneció como un fragmento, en su forma de tres actos para la actuación de París bajo la dirección de Pierre Boulez y Patrice Chéreau . De ambas óperas, Wozzeck en particular,encontrar una unidad en el contenido de la pieza y la visión musical, mientras tanto se ha abierto camino en el repertorio de ópera familiar en innumerables producciones en escenarios grandes y pequeños en todo el mundo y ha conquistado una posición indiscutible. La situación es bastante similar con Lulu, que, sin embargo, a menudo solo puede ser dominada por teatros más grandes debido al esfuerzo invertido en la obra. Sin embargo, inspira regularmente a importantes intérpretes como Anja Silja , Evelyn Lear , Teresa Stratas y Julia Migenes .
Arnold Schönberg interpreta regularmente el monodrama Erwartung , la primera ópera para un solo cantante, así como la obra Moses und Aron , que el compositor dejó inacabada deliberadamente y que impone las más altas exigencias al coro . Erwartung, escrita ya en 1909 pero no estrenada hasta 1924 en Praga con Marie Gutheil-Schoder bajo la batuta de Alexander von Zemlinsky , demostró en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial una fascinación específica por las cantantes (especialmente Anja Silja y Jessye Norman ) y directores por igual (por ejemplo, Klaus Michael Grübercon Silja 1974 en Frankfurt; Robert Wilson con Norman en el Festival de Salzburgo de 1995 ). En 1930, Schönberg comenzó a trabajar en Moses and Aron, que detuvo en 1937; Tras el estreno teatral en Zúrich en 1957, esta ópera ha demostrado su idoneidad para el escenario en numerosas representaciones internacionales, especialmente desde la década de 1970. También es interesante que a lo largo de la ópera Moisés utiliza un recitativo cuyo tono está predeterminado, mientras Aron canta.
Por lo demás , la escuela vienesa no dejó más huellas en el repertorio estándar. Musicalmente, sin embargo, todo compositor moderno tuvo que lidiar con la música dodecafónica y decidir si continuar trabajando sobre esta base o pensar más en términos tonales.
Hans Pfitzner fue uno de los compositores más importantes de la primera mitad del siglo que se aferró conscientemente a las tradiciones tonales. Sus óperas muestran influencias iguales de Richard Wagner y de los primeros compositores románticos como Weber y Marschner. La música de Pfitzner está determinada en gran medida por el pensamiento polifónico-lineal, las armonías se mueven entre diatónicas simples y cromáticas llegando a los límites de la tonalidad. La Musical Legende Palestrina , estrenada en 1917, es la más conocida de las óperas de Pfitzner. También escribió: Der arme Heinrich , Die Rose vom Liebesgarten , Das Christ-Elflein y Das Herz .
En 1912, Franz Schreker creó uno de los grandes éxitos operísticos antes de la Segunda Guerra Mundial con Der ferne Klang , pero más tarde cayó en la oscuridad cuando el nacionalsocialismo expulsó sus obras del repertorio. Después de muchos intentos anteriores, el redescubrimiento realmente profundo de este compositor solo comenzó en la década de 1980, que, además de nuevas producciones de Der ferne Klang ( Teatro La Fenice 1984, Ópera Estatal de Viena 1991), también incluyó representaciones de Die Gezeichten , Der Schatzgräber o Irrelohetrajo. Los timbres fuertemente diferenciados juegan un papel esencial en la música de Schreker. Schreker intensificó nuevamente la armonía cromática de Wagner, a menudo borrando las conexiones tonales más allá del reconocimiento.
Al vienés Alexander von Zemlinsky y al artista de Brno Erich Wolfgang Korngold , cuyas obras también pasaron por un momento difícil después de 1945, les fue de manera similar a Schreker . Desde la década de 1980, ambos compositores han logrado recuperar un lugar en el repertorio internacional, Zemlinsky con La ropa hace hombre , pero especialmente Una tragedia florentina , El enano y El rey Kandaules , Korngold con La ciudad muerta .
El trabajo de Walter Braunfels también fue prohibido por los nacionalsocialistas y solo ha recibido una mayor atención desde finales del siglo XX. Con su ópera Die Vögel , Braunfels fue uno de los compositores interpretados con mayor frecuencia en los escenarios de la ópera alemana en la década de 1920. La versatilidad estilística de sus obras es llamativa: ofrece a La princesa Brambilla un proyecto alternativo al drama musical del sucesor de Wagner, que bebe de la Commedia dell'arte , mientras que Los pájaros muestran la influencia de Pfitzner. Con las óperas posteriores Anunciación , El sueño una vida y Juana de Arco - Escenas de la vida de Santa JuanaBraunfels se acerca al lenguaje tonal del Hindemith posterior.
Uno de los compositores más exitosos de la generación más joven en la década de 1920 fue Ernst Krenek , alumno de Schreker, quien inicialmente causó revuelo con obras expresionistas en atonalidad libre. Un éxito escandaloso fue su ópera de 1927 Jonny plays on , que retoma elementos del jazz. Es un ejemplo típico del género de "Zeitoper" que surgió en ese momento, que tomaba sus acciones de la vida cotidiana de la época, que estaba fuertemente determinada por el cambio de diferentes modas. La música de Krenek fue luego rechazada y prohibida por los nacionalsocialistas como "degenerada". El compositor emigró a los Estados Unidos y, en 1973, había escrito más de 20 óperas que reflejan de manera ejemplar el desarrollo cambiante de la música del siglo XX.
La Segunda Guerra Mundial marcó un importante punto de inflexión en la historia de Europa y América, que también tuvo un impacto en el mundo musical. En Alemania, las óperas con sonidos modernos ya casi no se tocaban y se dejaban cada vez más de lado. Un ejemplo significativo de esto es Paul Hindemith , quien en la década de 1920 fue considerado un “susto burgués” musical con obras como la ópera Cardillac , pero que después de 1930 finalmente encontró su camino hacia un estilo moderadamente moderno con un carácter neoclásico. Mathis der Maler (el compositor armó una sinfonía muy interpretada a partir de partes de esta ópera). A pesar del cambio de estilo, Hindemith sintió claramente el rechazo, ya que Adolf Hitlerse había ofendido personalmente en su ópera Neues vom Tages , terminada en 1929 . Finalmente, las obras de Hindemith fueron etiquetadas como "degeneradas" y se prohibió su interpretación. Como otros artistas y compositores antes y después de él, Hindemith se exilió en 1938.
El período posterior a 1945 se caracteriza por una clara internacionalización e individualización del negocio de la ópera, lo que hace que la división en tradiciones nacionales que había sido habitual hasta ese momento ya no parezca sensata.
La ópera se volvió cada vez más dependiente de las influencias individuales de los compositores que de las corrientes generales. La presencia constante de los "clásicos" del repertorio operístico aumentó las exigencias de las óperas modernas, y cada compositor tuvo que encontrar su propia forma de enfrentarse al pasado, continuarlo, alienarlo o romper con él. A continuación, surgieron una y otra vez óperas que rompieron los límites del género y se esforzaron por superarlo. En el nivel musical y textual, los compositores abandonaron cada vez más el territorio familiar e incluyeron el escenario y la acción escénica en la secuencia musical, a menudo bastante abstracta. Signos de la expansión de los medios visuales en el siglo XX son las proyecciones de video que inicialmente acompañan la acción y luego se vuelven más independientes.
En la creciente individualización del lenguaje musical, se pueden reconocer corrientes en la ópera de la segunda mitad del siglo XX: por un lado, las óperas literarias , cuya dramaturgia se basa en gran medida en la tradición. Sin embargo, cada vez se utiliza más material de actualidad y libretos para este propósito. Sin embargo, dos obras pioneras de esta época son óperas que utilizan clásicos de la literatura como base, a saber, la ópera The Soldiers de Bernd Alois Zimmermann después de Jakob Michael Reinhold Lenz y Lear de Aribert Reimann después de William Shakespeare . Otros ejemplos de ópera literaria serían Das Schloss de Reimann (después de Kafka ) y la casa de Bernarda Alba (después de Lorca ). Los temas políticos también se están musicalizando cada vez más, comenzando con Luigi Nono y Hans Werner Henze ; un ejemplo más reciente es la ópera Kniefall de Gerhard Rosenfeld en Varsovia sobre Willy Brandt , cuyo estreno en Dortmund en 1997, sin embargo, tuvo poco efecto tanto en el público como en la prensa y no produjo producciones posteriores.
Si las obras de Luigi Nono ya no pueden catalogarse como óperas literarias por su lenguaje musical experimental, también se explora la dramaturgia de la plantilla operística en cuanto a sus posibilidades experimentales. Por lo tanto, el término ópera sufre un cambio en la segunda mitad del siglo XX, y muchos compositores lo reemplazan por teatro musical o escenas musicales .y use el término ópera solo para obras explícitamente vinculadas a la tradición. En las obras de los compositores experimentales no solo se puede descubrir un manejo creativo del texto y la dramaturgia, sino que el escenario, la orquestación y por último, pero no menos importante, la música misma supera los patrones conservadores, el género ya no se puede definir claramente aquí. Además, se utilizan nuevos medios como el vídeo y la electrónica, pero el teatro, la danza y la actuación también se están abriendo paso en la ópera.
Otro compositor italiano encarna una voz muy singular en el teatro musical contemporáneo: Salvatore Sciarrino . Con su interés por los timbres o el silencio en la música, p. T. recurriendo a técnicas compositivas del Renacimiento (por ejemplo, en su ópera Luci mie traditrici de 1998 sobre la vida del compositor de madrigales Carlo Gesualdo ) obras inconfundibles.
Benjamin Britten llevó la Inglaterra moderna al escenario de la ópera internacional. De sus óperas en su mayoría tonales, Sueño de una noche de verano , basada en la obra de William Shakespeare , Albert Herring , Billy Budd y Peter Grimes son las más conocidas. La afición y el talento de Britten por la pintura sonora se manifestaron una y otra vez, especialmente en la representación del mar.
Los Dialogues des Carmélites (Conversaciones de los carmelitas , estreno 1957) de Francis Poulenc se consideran una de las obras más importantes del teatro musical moderno. La base es el material histórico de los mártires de Compiègne , que en 1794, bajo la mirada del tribunal revolucionario, caminaron cantando hasta el patíbulo tras negarse a romper sus votos religiosos. La segunda ópera conocida para una sola cantante también se remonta a Poulenc: en La voix humaine , la persona a la que simplemente se refiere como “mujer” se rompe por la infidelidad de su amante, quien la abandona por teléfono. Luciano Berio utilizado en Passaggioal personaje principal femenino "Sie" también un coro de comentarios.
El compositor Philip Glass , que arrestó a la Música Mínima , ya no usaba frases coherentes para Einstein en la playa , sino números, sílabas de solfeo , palabras sin sentido. La presentación de los hechos en el escenario fue decisiva. 1976 vio Einstein on the Beach , el primero de una trilogía que también incluía a Satyagraha y Akhenaton , homenajes a figuras que cambiaron la historia mundial: Albert Einstein , Mahatma Gandhi y el faraón egipcio Akhenaton .. Las obras de Glass han demostrado tener un gran impacto en el público , especialmente en relación con las producciones de Robert Wilson o Achim Freyer , que se sintieron agradables .
Las obras escénicas de Mauricio Kagel son con la misma frecuencia obras sobre la música o el teatro mismo, que se pueden clasificar mejor como "acción escénica-musical" - la música apenas es fija, ya que Kagel se deja a sí mismo a la libre improvisación de sus intérpretes, que tocan en -instrumentos (cremalleras, biberones, etc.) o usarlos de manera inusual, cantar sílabas sin sentido, o crear trama y/o música al azar o lectura improvisada. Kagel practicó ingeniosamente la crítica críptica del estado y el teatro, el ejército, las artes, etc. Su obra más famosa , Staatstheater , provocó escándalos, en los que los mecanismos ocultos de la misma salieron a la superficie.
Luigi Nono , por su parte, utilizó su música para denunciar agravios políticos y sociales. Esto es particularmente evidente en Intolleranza 1960 , donde un hombre, en un viaje a su tierra natal, experimenta manifestaciones, protestas, torturas, campos de concentración , encarcelamiento y abuso, hasta e incluyendo una inundación, y finalmente descubre que su tierra natal está donde está. necesario.
Un compositor muy productivo fue Hans Werner Henze , quien en 2003 recibió el premio Premium Imperiale de la Japan Art Foundation (el llamado Premio Nobel de Arte ) . Desde el principio estuvo en conflicto con las corrientes dominantes de la música contemporánea en Alemania, a veces dogmáticamente orientadas (palabras clave : Darmstadt y Donaueschingen , véase más arriba), adoptó técnicas seriales , pero también utilizó técnicas de composición completamente diferentes, incluida la aleatoriedad . El inicio de su obra operística fue su colaboración con la poeta Ingeborg Bachmann ( El joven señor , 1952, y la adaptación de KleistEl príncipe de Homburg , 1961). The Elegy for Young Lovers (1961) fue creada con W.H. Auden y Chester Kallman, los libretistas deópera de Stravinsky The Rake's Progress . Más tarde puso música a libretos de Edward Bond ( The Bassarides , 1966, y The English Cat , 1980). Su obra L'Upupa y el triunfo del amor filial se estrenó en 2003 en el Festival de Salzburgo. Henze, que ha vivido en Italia durante muchas décadas, ha alentado e influido en muchos compositores más jóvenes. La Bienal de Nuevo Teatro Musical que fundó se encuentra en Munich desde 1988.
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En 2005 Karlheinz Stockhausen completó su heptalogía LIGHT , que había comenzado en 1978 . Con su obra principal, deja tras de sí una obra monumental sobre temas religiosos, que consta de siete óperas, cada una de las cuales representa un día de la semana. Las primeras óperas se estrenaron en Milán ( jueves , sábado , lunes ), en Leipzig se representaron por primera vez los martes y viernes . La compleja obra, que comprende un total de 29 horas de música, aún no se ha interpretado en su totalidad, sobre todo debido a las inmensas dificultades organizativas.
La ópera The Match Girl de Helmut Lachenmann llamó la atención en Alemania en 1996 . Está basado en el conocido cuento de Navidad de Hans Christian Andersen . De manera idiosincrásica y con técnicas instrumentales en parte nuevas, Lachenmann convierte la sensación de frío en sonido.
Según las estadísticas de Operabase , los cinco compositores de ópera vivos más interpretados en las cinco temporadas de 2013/14 a 2017/18 son el estadounidense Philip Glass , Jake Heggie , el inglés Jonathan Dove , el holandés Leonard Evers y el inglés Thomas Adès . Como los compositores alemanes interpretados con más frecuencia, Operabase nombra a Peter Lund en el 8.° lugar, Marius Felix Lange en el 11.° lugar, Wolfgang Rihm en el 14.° lugar, Ludger Vollmer en el 17.° lugar y Aribert Reimann en el 23.° lugar. [5]
Desde la ópera de cuento de hadas de Humperdinck Hansel y Gretel , los compositores de ópera han escrito repetidamente óperas para niños , p. B. Henze ( Policino , 1980), Oliver Knussen ( Dónde están los monstruos , 1980 y 1984) y Wilfried Hiller ( Tranquilla Trampeltreu , Norbert Nackendick , El flautista de Hamelín , Eduard en la cuerda , Wolkenstein y El Goggolori ).
Las óperas se caracterizan por una variedad de formas, que están determinadas por los estilos de composición convencionales, así como por las soluciones individuales del compositor. Por lo tanto, no existe una fórmula general para su estructura. En términos generales, sin embargo, se puede determinar un desarrollo desde la ópera numérica a través de muchas formas mixtas diferentes hasta la ópera completamente compuesta alrededor de 1900.
Desde el período barroco hasta el período romántico, la ópera es una serie de piezas musicales independientes (" números ") que están conectadas entre sí mediante recitativos o (en singspiel ) diálogos hablados y representan una trama continua . Al igual que la obra de teatro, una ópera se puede dividir en actos , imágenes , escenas o representaciones . Los componentes musicales de la ópera son diversos:
La separación de números y la demarcación entre recitativo y aria fueron cuestionadas en el siglo XIX. A partir de 1825, el recitativo secco desapareció gradualmente y fue reemplazado en la literatura italiana por el principio de scena ed aria , que Giuseppe Verdi utilizó para formar los actos en un todo musical más amplio. Desde mediados de siglo, Richard Wagner propagó la renuncia a la estructura numérica en favor de un todo compuesto formado sobre la base de leitmotivs . Para las óperas de Wagner ha prevalecido el término drama musical , palabra clave " melodía infinita ".“representa una progresión continua de desarrollo musical y emocional, que en su opinión debería prevalecer sobre las formas musicales de baile. Wagner describió su ópera Tristan und Isolde (1865) como un "acto musical", que debería recordar los términos operísticos originales "favola in musica" o "dramma per musica".
La forma compuesta fue generalmente favorecida a fines del siglo XIX, incluso por Jules Massenet y Giacomo Puccini , y siguió siendo el modelo dominante del modernismo temprano hasta el Neoclasicismo , que experimentó con estructuras fracturadas y con referencias a formas de la historia operística temprana. También se interpretan en conciertos secciones independientes de óperas compuestas, como muchas arias de las óperas de Puccini. Richard Strauss es considerado un maestro de la gran forma compuesta, lo que demostró particularmente en las obras de un acto Salomé , Elektra y Ariadne auf Naxos .
En el siglo XX, muchos compositores volvieron al principio numérico, por ejemplo , Zoltán Kodály , Igor Stravinsky o Kurt Weill . La ópera de números también sigue existiendo en operetas y musicales .
En la historia de la ópera ha habido principalmente un estilo "alto" y "bajo", basado libremente en la antigua distinción entre tragedia y comedia . Sin embargo, esto no siempre significa un límite entre lo serio y lo divertido. El estilo "alto" también puede elevarse por encima del "bajo" simplemente por medio de material antiguo o figuras nobles o por un modelo "literario" que debe tomarse en serio o por música "difícil" (o meramente compuesta ). Todas estas pistas sobre las más valiosas han sido atacadas a lo largo de la historia. Hubo géneros que intentaron suavizar el contraste, como la ópera semiseria.
Mientras la ópera se encontraba todavía en la etapa experimental, como lo fue hasta principios del siglo XVII, aún no era necesaria una separación. Surgió solo cuando las representaciones operísticas se hicieron habituales, por razones sociales: la ópera seria contenía personajes aristocráticos e imaginería política "alta", la ópera cómica presentaba personajes burgueses y acciones cotidianas "insignificantes". Gradualmente, la opera seria y la tragédie lyrique se separaron de sus cómics intermezzi , de los cuales la opera buffa y la opéra-comiquesurgió. Esta separación sólo se rompió a finales del siglo XVIII: debido a que la burguesía ya no quería ser retratada de manera cómica (es decir, ridícula) en el género operístico “inferior” destinado a ella, lo cómico se desvió a menudo hacia lo sentimental y actualizado Por lo tanto, las "óperas cómicas" a menudo no son graciosas. Después de la Revolución Francesa , se abolió la cláusula patrimonial y también se permitió que las óperas burguesas fueran "serias". Así, la demarcación entre tragedia y comedia fue diferente en el siglo XIX que en el siglo XVIII.
Un término colectivo para las obras trágicas y cómicas es el dramma per musica italiano , como se llamaba a la ópera en sus primeros días. Un ejemplo de una ópera seria temprana es Il ritorno d'Ulisse in patria de Claudio Monteverdi . La grave pretensión resulta del recurso al material del teatro antiguo -especialmente las tragedias- y la poesía épica heroica. Desde finales del siglo XVIII, fueron suplantados por sujetos históricos más jóvenes. En la Italia del siglo XIX, el término dramma se usaba en el compuesto melodramma y ya no se refería al drama antiguo. Tanto la trágica ópera Norma de Belliniasí como la ópera cómica L'elisir d'amore de Gaetano Donizetti .
La ópera seria solo se estableció como un término fijo en el siglo XVIII. Las formas mixtas o el contenido tragicómico quedaron excluidos con esta designación de título. La ópera Radamisto de Handel es una obra típica. Como antípoda de Italia, Francia le dio a su propia forma de ópera seria el título tragédie lyrique , en gran medida influenciada por Jean-Baptiste Lully y el ballet en la corte de Luis XIV , más tarde por Jean-Philippe Rameau . Después de la Revolución Francesa, la gran ópera se estableció gradualmente como una ópera seria de clase media. Estos incluyen Les hugonotes deGiacomo Meyerbeer , también obras de menor éxito como Les Troyens de Hector Berlioz .
El drama musical más maduro de Richard Wagner ( Der Ring des Nibelungen ) tuvo una gran influencia internacional. Por otro lado, los compositores franceses de la época, como Massenet , tendieron hacia un estilo operístico transparente y cantabile, para lo cual se utilizó el término drame lyrique . Debussy todavía usaba este término para su ópera Pelléas et Mélisande .
Siempre ha sido posible que el material de ópera provenga de novelas , cuentos u obras de teatro . La ópera italiana del siglo XVIII se veía a sí misma como literatura revestida de música . Desde que la música alcanzó la supremacía absoluta, es decir, desde finales del siglo XIX, las óperas estrictamente literarias se denominan óperas literarias . Death in Venice de Benjamin Britten , basada en una plantilla de Thomas Mann , es una traducción bastante fiel del material literario a la música.
La ópera bufa es el arquetipo de la ópera alegre. La serva padrona de Pergolesi se consideró el ejemplo definitivo a mediados del siglo XVIII. Un ejemplo tardío es Il barbiere di Siviglia de Gioachino Rossini . Las óperas excepcionalmente alegres a menudo se tenían en menor estima que las sentimentales. Su temática proviene del teatro popular y la farsa , fuertemente influenciada por la commedia dell'arte italiana .
La primera ópera buffa dio lugar a la opéra-comique (tipo de obra) francesa , que antes de la revolución se convirtió en la ópera de una burguesía cada vez más segura de sí misma. En un principio se entendió como un juego de canto ( vaudeville ). Pero la parte musical siguió creciendo y empezó a predominar. El Singspiel en lengua alemana surgió de la Opéra-comique . El Singspiel a menudo tiene un carácter folklórico y burgués, se caracteriza por formas simples de canciones o rondós y utiliza diálogos hablados en lugar de recitativos , ocasionalmente también melodramas entre los números musicales.
El tribunal hablaba francés. El problema de la ópera alemana en el siglo XVIII y hasta cierto punto todavía en el XIX era que, como ópera vernácula, pertenecía al género "inferior" y tenía que afirmarse y emanciparse. El rapto del serrallo de Wolfgang Amadeus Mozart es uno de los Singspiels más conocidos con este objetivo. Mozart también utiliza formas musicales más complejas para las arias. La obra, encargada por el emperador José II para establecer un singspiel nacional y estrenada en 1782 en el Burgtheater de Viena , fue de crucial importancia para el desarrollo de la ópera alemana.
París estuvo a la vanguardia de la historia de la ópera en el siglo XIX, y también llegaron aquí italianos como Rossini y Verdi. La opéra-comique , que se representó en la casa de la Opéra-Comique , permaneció secundaria a la grand opéra de nueva creación y composición completa , que se representó en la Opéra , menos en términos musicales que en términos de su importancia social. . Por las razones mencionadas, no necesariamente tenía que tener un contenido alegre. Un ejemplo de una opéra-comique divertida y sentimental que también es conocida en el área de habla alemana es Der Postillon von Lonjumeau de Adolphe Adam .. Un grupo de obras posteriores a 1860 que aún pueden describirse formalmente como opéra-comique fortalecieron el carácter sentimental básico (como Mignon de Ambroise Thomas ). También se puede encontrar un toque sentimental en algunas de las óperas cómicas de Rossini ( La Cenerentola ).
Una renovación de la opéra-comique tuvo éxito con Carmen de Georges Bizet , cuyo drama apunta en la dirección de la ópera verista . En ella, además de las figuras proletarias, el sensacionalismo era una característica del estilo "bajo".
La "grandeza" también puede ser un signo de estilo alto o bajo. A veces, el término "gran ópera" se encuentra como subtítulo de una obra. Esto significa, por ejemplo, que la orquesta y el coro deben tocar y cantar en un gran elenco, o que la ópera es una obra de larga duración con un ballet integrado. Se trata de óperas que sólo podían representarse en un teatro más grande y podían diferir del repertorio de las tropas itinerantes. Manon de Jules Massenet es un ejemplo de “gran ópera” .
El término ópera de cámara , por otro lado, se refiere a una obra que se puede realizar con un personal reducido. El número de cantantes no suele ser superior a cinco, la orquesta se limita a una orquesta de cámara . Esto podría resultar de la falta de pobreza material y así referirse al género "inferior" o, por el contrario, significar la mayor exclusividad y concentración de un género "superior". El escenario también suele ser más pequeño, lo que puede contribuir a crear una atmósfera más íntima que sea beneficiosa para el impacto de la obra. Ejemplos de esto serían Albert Herring de Benjamin Britten o "Les Larmes de couteau" de Bohuslav Martinů .
Algunos compositores de ópera también se resistieron a ser clasificados en las tradiciones de género o dieron a sus obras subtítulos específicos en relación consciente con ellos. Tristán e Isolda de Wagner , por ejemplo, lleva la designación "acción en la música", mientras que Luciano Berio utilizó el término "messa in scena" ('puesta en escena') para su obra Passaggio . George Gershwin describió su obra Porgy and Bess como "Una ópera popular estadounidense". Para distanciarse de las ideas cliché, los compositores modernos suelen preferir designaciones alternativas como "azione scenica" ( Al gran sole carico d'amore de Luigi Nono) o "azione musicale" ("argumento musical",Un re in ascolto de Luciano Berio). La conocida ópera Eugene Onegin de Peter Tchaikovsky también fue llamada "Escenas líricas" por el compositor.
En 2016, Richard Geppert escribió la ópera rock alemana Freiheit utilizando los medios musicales de expresión y los instrumentos de la música rock . [6]
Hay ejemplos aislados de óperas -incluyendo Los fantasmas de Versalles de John Corigliano , que se estrenó en 1991- que son autorreferenciales en su forma , ya que ellas mismas contienen drama u ópera. [7]
Debido al hecho de que el género de la ópera no siempre es fácil de distinguir de otros géneros y géneros musicales y de la práctica del pasticcio , una declaración sobre el alcance general del repertorio operístico está plagada de numerosas dificultades. Las listas actuales asumen alrededor de 5800 a 6000 obras conocidas. Si se incluye el no despreciable número de obras desaparecidas y perdidas, especialmente del siglo XVIII y principios del XIX, un total de unas 60.000 óperas debería ser realista. [8º]
La gran cantidad de obras no facilita que los teatros y los teatros de ópera hagan una selección que cumpla con los estándares altos y que además encuentre una audiencia suficiente. En función del tamaño del teatro y del presupuesto disponible, el director artístico y el dramaturgo elaboran un programa para cada sección del teatro (teatro, teatro musical, ballet, teatro infantil y juvenil, teatro de marionetas , etc.).desarrollado, que se adapta a la casa y sus empleados. El programa tiene en cuenta las peculiaridades regionales y las tradiciones escénicas del lugar, por ejemplo, a través de festivales al aire libre, conciertos de Navidad o Año Nuevo, pero también apunta a las tendencias actuales en el teatro musical mediante la interpretación de obras contemporáneas. Dependiendo del tamaño de la casa, diferentes óperas se representan de nuevo en una temporada . La primera presentación pública de una nueva ópera se llama estreno mundial , y la primera presentación pública de una ópera en una nueva producción se llama estreno .
Gradualmente, ha ido surgiendo un canon de óperas probado en el campo, más o menos estrecho, que se encuentra regularmente en el repertorio. Alrededor de 150 óperas forman el núcleo de este canon no fijo. En consecuencia, el interés del folletín en particular se ha desplazado de las obras a menudo conocidas a su interpretación , con la puesta en escena pasando al primer plano. Las audiencias a menudo asocian sus óperas favoritas con ciertas tradiciones, algunas de las cuales se han vuelto rígidas en las convenciones , y reaccionan de manera controvertida a los enfoques radicales de interpretación ( teatro de director ).
Hasta mediados de la década de 1960, la mayoría de las óperas se representaban en el idioma local del lugar. Las óperas de Verdi en Alemania se cantaban en alemán y las óperas de Wagner en Italia en italiano, como muestran grabaciones de radio y televisión. Incluso antes de eso, sin embargo, había teatros que representaban óperas en sus respectivos idiomas originales, como el Metropolitan Opera de Nueva York. El Festival de Salzburgo también mostró siempre óperas exclusivamente en el idioma original. Debido a un contrato con La Scala de Milán , en virtud del cual los cantantes italianos se comprometían a cantar también en la Ópera Estatal de Viena, Herbert von Karajan dirigióEn 1956, la Ópera Estatal de Viena introdujo el principio de interpretar óperas en el idioma original. Con su justificación de que la unidad de la palabra y la música se pierde en las traducciones a otro idioma, las óperas se interpretaron gradualmente cada vez más en su forma original. El mercado discográfico y de cantantes, cada vez más internacionalizado, también contribuyó decisivamente a este desarrollo. En la RDA, por otro lado, todavía existía una gran tradición de traducciones, pero se hicieron intentos con nuevas transmisiones (por ejemplo , Walter Felsenstein , Siegfried Schoenbohm ) para implementar el contenido del original de manera más precisa, lingüísticamente más exitosa y, sobre todo. , musicalmente más apropiadamente. Hoy en día, en casi todos los grandes teatros de ópera, las óperas se representan en el idioma original y simultáneamenteSupertítulo mostrado.
En muchos teatros más pequeños, especialmente en el este de Alemania, todavía hay representaciones en alemán. Además, en algunas ciudades (por ejemplo, Berlín, Munich, Viena) hay varios teatros de ópera, uno de los cuales interpreta óperas traducidas, como la Volksoper Wien , la Komische Oper Berlin , el Staatstheater am Gärtnerplatz en Munich, o en Londres el inglés . Ópera Nacional . De vez en cuando también hay una traducción autorizada (como en el caso de las óperas de Leoš Janáček , cuyo texto alemán fue escrito por el amigo de Janáček Max Brodproviene, por lo que el texto alemán también puede considerarse original). La interpretación en el idioma original siempre es difícil cuando hay diálogos en la obra. Aquí también hay formas mixtas, es decir, los textos hablados se traducen, pero los textos cantados están en el idioma original. Por lo tanto, las representaciones de teatro de música traducida están muy extendidas en el campo del Singspiel , la opereta y los musicales . El departamento de dramaturgia del teatro es responsable de la traducción exacta de un idioma extranjero. Si se quiere profundizar las habilidades lingüísticas de los repetidores , también se consultan entrenadores especializados en un idioma extranjero.
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